Quando se fala de Alfred Hitchcock, sempre se prossegue as palavras: Mestre do Suspense, Psicose e Pássaros. Claro que não sou negligente o suficiente para falar que apenas EU tenho clareza sobre a dimensão das obras desse diretor e de sua relevância para a arte de se fazer cinema. De fato, penso que Hitchcock, está muito bem imortalizado, e se tenho que por algum motivo uma crítica é em relação à supervalorização de uns, em contrataste ao enclausuramento de outros em curtas palavras, que tentam minimamente – e ai está o problema – significar alguém.

Seria impossível descrever aqui, toda a dimensão deste diretor e sua reverberação na história do cinema, porém, já aviso a vocês – caros leitores. Assim começo minha empreitada de enaltecer a figura de Alfred Hitchcock pela lente que um diretor sempre deve ser observado – a saber, a lente de sua câmera. De início basta que se comece com o dado de que este diretor realizou 58 filmes (longas e curtas) em sua filmografia, contingentes em 50 anos de carreira, o que dá uma média de 1,16 filmes por ano de 1926 a 1976.

Focando o filme, em 1954 o diretor já havia realizado alguns de seus maiores sucessos de público – índice sempre relevante para ele, pois estava sempre atento às reverberações de suas produções no público -, a saber, O Inquilino (1927), Chantagem e Confissão, (1929), Os 39 Degraus (1935), A Dama Oculta (1938), Rebecca, a Mulher Inesquecível (1940) e Festim Diabólico (1948). Disque M para Matar foi 39º filme do diretor e a solução do sufoco provocado pelo mal compreendido A Tortura do Silêncio (1953).

Enquanto preparava outro roteiro, que não o agradava, Hitchcock soube que a Warner Bros. havia comprado os direitos da bem-sucedida peça homônima ao filme. O diretor completou as filmagens em 36 dias, com uma nova tecnologia que estava fazendo muito sucesso naquela época – o assim chamado, 3D. Pois é, caros pipoqueiros, em 1954 já existia a tecnologia 3D – inclusive da mesma maneira como é feita hoje, com duas câmeras acopladas em profundidades diferente para trazer a ilusão de profundidade – mas, diferente do que entendemos hoje em dia como 3D, a tecnologia passava apenas de um recurso muito bem utilizado pelo diretor. Para bem utilizar as câmeras com profundidade, Hitchcock mandou instalar um fosso no estúdio para que as câmeras ficassem o mais perto o possível do chão, maximizando a ilusão.

O filme em si é bastante fiel à estrutura teatral proposta pelo enredo, de maneira que 98% do filme se ambienta em um mesmo cenário – salvo duas exceções de curta duração. Hitchcock afirmara durante as gravações que o sucesso da peça devia-se exatamente no quesito de se localizar em toda sua duração em um mesmo cômodo, além de afirmar que o próprio sentir-se-ia confortavelmente bem em gravar um filme inteiro rodado em uma cabine telefônica.

O enredo trata de um casal, que não está em seus melhores dias, já que Margot está a se relacionar com outro homem, Mark. Tony o marido de Margot, já sabe do adultério de sua esposa e decide por contratar um ex-colega de colégio para assassiná-la no que seria o plano perfeito. Trata-se de um enredo muito simples e bastante óbvio se não fosse pela genial direção, o que reafirma a atitude ativa dos cineastas frente à sua produção – tenham certeza, caros amigos, um bom cineasta não tem limites, consegue transformar qualquer ideia bizarra inter-espacial em um clássico.

A abertura do filme é genial. Acontece em menos de um minuto, sem utilizar-se de nenhum dialogo se quer, e consegue ao mesmo tempo nos situar precisamente na história – o que está por trás dela – e nos semear a posição de cúmplices extremamente necessária para a captura do espectador no enredo. Em menos de um minuto, vemos Tony e Margot, vemos a notícia de que Mark está em Londres no jornal, vemos Mark desembarcar e por fim vemos Margot e Mark beijando-se. Pronto, estamos à par de tudo o que é necessário para acompanhar a trama, e ainda sabemos do adultério e não sabemos o quanto Tony sabe – ficamos na perfeita posição de culpados. Sem desferir nenhuma palavra, Hitchcock expressa um discurso que atinge o espectador em seu âmago humano sofrível – a saber, o sentimento de culpa.

Em seguida o diretor nos “torce” e posiciona Tony como herói. Saímos da cumplicidade com o casal adultério para a cumplicidade e compaixão ao personagem traído, que é extremamente bem construído em sua simpatia e encanto em contra posição à Mark que é “convencido” demais. Margot no início é estonteante, e assim como todos na trama, sabemos que seriamos capazes de qualquer loucura por esta mulher incrível.

A estonteante habilidade de subverter o enredo de Hitchcock tem neste filme sua maestria. Lógico o enredo tem suas reviravoltas, mas todo o impacto produzido no espectador é provocado pela habilidade do diretor. A transformação do figurino de Margot acompanha a espécie de sentimento invocado por suas ações. Primeiro, vestida de branco é inocente, quando está a se relacionar com Mark é vermelho apaixonado e sedutor. Margot vai perdendo sua cor, chegando ao final do filme com alguns farrapos cinza. Tony é incrivelmente inteligente, e nos faz ficarmos frustrados quando o plano não dá certo, assim, a cada vez que a “bola de neve” cresce nos afastamos cada vez do personagem. O que nos leva a nos aproximarmos de Mark e sua incrível habilidade roteirística e do prestativo inspetor de polícia.

Hitchcock também tem seu mérito na abordagem que ofereceu à tecnologia 3D. O tipo de filmagem ressalta a ilusão – o que poderia ser um erro quando o filme que está a rodar baseia-se no critério realidade para se sustentar. Assim o diretor utiliza a profundidade para carimbar a naturalidade do cenário. Parece que estamos a espiar os atores quando um vaso se prostra em nossa visão. Não enxergamos no escuro e sempre há obstáculos há nossa visão – o que salienta a decisão do diretor de sempre reservar algo “por de trás” das projeções. Até o fim do filme não podemos “enxergar” exatamente o que aconteceu.

O inovador diretor fora quem trouxe o termo suspense para o cinema, além disso, foi quem adicionou as questões familiares aos enredos de terror. Também sempre soube trabalhar o humor, o que faz de Disque M para Matar, um filme leve e até divertido em alguns momentos. Instiga-nos, em nossa capacidade de tentar se livrar da culpa – o que de tão angustiante torna-se cômico na nossa natureza defensiva. Ainda nos frustra na nossa incapacidade racional, pois a obsessão por se safar de nossa culpa acaba por nos incriminar – Tony está tão obsecado por seu plano que dá cordas demais no relógio, fazendo-o parar, levando o plano a dar errado. Também é Tony que por mais duas vezes tenta limpar sua “ficha” levando a se entregar – oferecendo a “chave” para a resposta da trama.

É um ótimo filme e recomendo para qualquer pessoa, inclusive para compra, pois vale a penar ver e rever. Digno de nota a famosa aparição do diretor em seus filmes, desta vez acontece na fotografia de Tony no colégio.

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